tag:blogger.com,1999:blog-1533503028331055462024-02-19T08:45:44.638-08:00El Arte que me GustaUnknownnoreply@blogger.comBlogger8125tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-37798675342009455962016-04-18T18:14:00.001-07:002016-04-18T18:14:32.510-07:00Federico García Lorca: Cosmovisión de su trayectoria poética y teatral <div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTJjTOOvZIKdgCdE_U-lmUEfntyFMFdnU4HhZLGluIGajMs1cOiwAhDzlRflxFFb2sFrI_6FKq79HvnENkd913mSOz38hgI_dFe2NzF3X4nBl_iFwNdxj9Tnqit5bo46M0r0fsHtjRQmmZ/s1600/Sin+f.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTJjTOOvZIKdgCdE_U-lmUEfntyFMFdnU4HhZLGluIGajMs1cOiwAhDzlRflxFFb2sFrI_6FKq79HvnENkd913mSOz38hgI_dFe2NzF3X4nBl_iFwNdxj9Tnqit5bo46M0r0fsHtjRQmmZ/s400/Sin+f.jpg" width="322" /></a></div>
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">
<div style="text-align: center;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Solo el
misterio nos hace vivir,<o:p></o:p></span></span></i></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">
<div style="text-align: center;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">solo el
misterio.<o:p></o:p></span></span></i></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right; text-indent: 35.4pt;">
<div style="text-align: center;">
<b><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">F. G. L.<o:p></o:p></span></span></b></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<b><i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Andalucía:
duende y misterio <o:p></o:p></span></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">La conexión de García Lorca con su tierra es
clara. Federico es España y Andalucía es Federico. Ya en su <i>Libro de Poemas</i> (1921) vemos los cimientos
de toda una obra poética futura, de temas, representaciones y figuras que
serían clave en su poesía y su teatro, donde lo gitano y sobre todo el
panteísmo de su pueblo y del cante jondo que tanto lo apasionaría están
presentes. En el prólogo de Allen Josephs para la <i>Antología poética</i> de Plaza y Janés (1999), este afirma certero que
en la poesía temprana de Lorca se encuentra «<i>la prefiguración de la totalidad de su obra</i>» y no podría estar más
en lo cierto. Aspectos como el drama del amor imposible, el amor que no da
frutos, están ya en los versos de algunos poemas. En «<i>Canción menor</i>» leemos estos versos de dolorosa resignación:</span><span style="line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">El amor<br />
bello y lindo se ha escondido<br />
bajo una araña. El sol<br />
como otra araña me oculta<br />
con sus patas de oro. No <br />
conseguiré mi ventura,<br />
pues soy como el mismo Amor,<br />
cuyas flechas son de llanto,<br />
y el carcaj el corazón.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">De esa pena del amor que no puede ser surgen los
grandes dramas lorquianos del futuro, y no podemos leer la primera estrofa del
poema que lo sucede, «<i>Elegía a Doña Juana
la loca</i>», sin recordar a personajes como Doña Rosita o las martirizadas
hijas de Bernarda Alba.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Princesa enamorada sin ser
correspondida.<br />
Clavel rojo en un valle profundo y desolado.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">La tumba que te guarda rezuma
tu tristeza<br />
a través de los ojos que ha abierto sobre el mármol.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">De la sensualidad que destila Lorca, su persona
y su obra, encontramos vastos resquicios que dejan un sabor a Romancero Gitano,
a Poeta en Nueva York, a El Público. En «<i>Madrigal
de verano</i>» o en «<i>Madrigal</i>» encontramos
boca, beso, carne, sabor.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y se abrió mi corazón<br />
como una flor bajo el cielo,<br />
los pétalos de lujuria<br />
y los estambres de sueño.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y ese reconocimiento del yo poético en la
naturaleza que tanto resalta Lorca del cante jondo se hace presente en gran parte
de los versos de este libro. Tal como dice Josephs, Lorca «<i>desde muy joven estuvo creando consciente y deliberadamente un mundo
poético panteísta e hierático</i>». En «<i>Canción
otoñal</i>», por ejemplo, hay una analogía de los sufrimientos del poeta con
las flores y la nieve:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Todas las rosas son blancas,<br />
tan blancas como mi pena,<br />
y no son rosas blancas,<br />
que ha nevado sobre ellas.<br />
Antes tuvieron el iris.<br />
También sobre el alma nieva.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y en «<i>Los
álamos de plata</i>» nos encontramos con una forma distinta de enaltecer la
naturaleza cuando García Lorca les adjudica, no en vano, sabiduría,
conocimiento, un sentir; nos encontramos con que son un <i>ser.<o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><i><br /></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Los álamos de plata<br />
se inclinan sobre el agua:<br />
ellos todo lo saben, pero nunca hablarán.<br />
El lirio de la fuente<br />
no grita su tristeza.<br />
¡Todo es más digno que la humanidad!<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">En esa sabiduría de la naturaleza, ese
panteísmo, de la que García Lorca es consciente se encuentra un misterio. Recordemos
aquella famosa frase suya dicha en una entrevista: «<i>todas las cosas tienen su misterio, y la poesía es el misterio de todas
las cosas</i></span><span style="line-height: 115%;">». Lorca estaba imbuido por el misterio, de ahí que
estuviera tan embebido en el cante jondo y hurgara en su más pura esencia para reconstruir
ese mundo de seguiriyas y soleás, y de ahí que desmigajara las raíces de su
pueblo para vivificarla en los mitos que componen su <i>Romancero Gitano</i> (1924-1927). <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Para
entender esto mucho mejor, debemos nosotros comprender aquello que García Lorca
llamaba «<i>duende</i>». Inspiración,
emoción, sonidos negros, pasión; esto y tantas cosas que encierra la palabra «<i>duende</i>», ese «<i>poder misterioso que todos sienten y ningún filosofo explica</i>» del
que hablaba Goethe, Lorca lo presenta como nada más que «<i>el espíritu de la tierra</i>», el gran misterio. Y el espíritu, el
duende, de su Andalucía es el cante jondo, clavado en las raíces más profundas
de esta tierra creció bajo una sombra como un enigma, el enigma que nos
presentaría Lorca como un todo en <i>Poema
del Cante Jondo </i>(1921), primera obra completamente andaluza y que daría pie
a continuar esta arqueología poética con <i>Romancero
Gitano</i>, del que Allen Josephs dice que «<i>precisamente
por su calidad mítica, se convierte en un retablo cósmico donde unos personajes
autóctonos —en el sentido etimológico de la palabra— empiezan a formar una
mitología andaluza</i>», y esto se debe a los mitos inventados que forman la
totalidad del libro, mitos que, si bien surgidos de la mente del poeta, eran
algo que Andalucía tenía para darle y que él supo recoger. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"> Al
leer poemas como «<i>Preciosa y el aire</i>»,
donde el <i>viento verde</i> persigue
desenfrenadamente a una niña, Preciosa,
es inevitable rememorar los mitos clásicos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">¡Preciosa,
corre, Preciosa,<br />
que te coge el viento verde!<br />
¡Preciosas, corre, Preciosa!<br />
¡Míralo por donde viene!<br />
Sátiro de estrellas bajas<br />
con sus lenguas relucientes.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En esa
escena en la que escuchamos al poeta advertir a Preciosa, tantas figuras
mitológicas se me vienen a la mente: pensemos, por ejemplo, en la mortal Dánae
violada por Zeus convertido en lluvia dorada. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En <i>Romancero Gitano</i>, además de la
mitificación clara de su contenido, Lorca también continúa una exploración de
las formas poéticas barrocas, tal como afirma Luis Cernuda en uno de sus
ensayos de <i>Estudios sobre poesía española
contemporánea</i> (1957): «<i>El barroquismo
de su expresión, por otra parte, nos hace recordar los poemas narrativos del
XVII</i>» Leamos unos versos de «<i>La
casada infiel</i>» para terminar de confirmarlo:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Ni
nardos ni caracolas<br />
tienen el cutis tan fino,<br />
ni los cristales con luna<br />
relumbran con ese brillo.<br />
Sus muslos se me escapaban<br />
como peces sorprendidos,<br />
la mitad llenos de lumbre,<br />
la mitad llenos de frío.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">La
metáfora es clara. Lorca no dice directamente que su piel era suave y
reluciente, sino que primero nos habla de las flores, las caracolas y los
cristales y de cómo estas no son ni tan tersas ni tan brillantes, para crearnos
la imagen del rostro de esta mujer, un rasgo claramente barroco y gongorista. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Hemos
visto que la imagen de Andalucía, de una Andalucía mítica, para Lorca es
esencial. Sin embargo, su poesía no se limita a esa presencia, él estuvo
siempre en constante proceso evolutivo creador, explorando sus propias
fronteras. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.25pt;">
<b><i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Los temas y la dualidad personal-social
de su obra<o:p></o:p></span></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.25pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Josephs
alude que «<i>encasillar al autor del </i>Romancero
gitano<i> como poeta local no resulta
factible ni creíble frente al tremendo documento humano y universal de </i>Poeta
en Nueva York». En junio de 1929 Lorca parte a Nueva York, ciudad a la que él
mismo describe como «<i>geometría y angustia</i>»,
y ciudad que le genera una desesperación a causa de la decadencia humana con la
que se encuentra. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Envuelto
en un surrealismo que se contrapone a su poesía anterior, <i>Poeta en Nueva</i> <i>York</i> (1929-1930)
habla de un desmoronamiento moral de los individuos que rodean al poeta, de una
humanidad fría y de un sentirse completamente extranjero, además de un despojo
del yo ante una sociedad apática. Tal como lo dice Josephs: «<i>el libro tiene una doble materia temática:
por un lado, el tema de una angustia personal e interior, y, por otro, el de
una angustia humana general que se manifiesta como una visión radicalmente
denunciadora de la sociedad industrializada</i>.» <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">«<i>Asesinado por el cielo</i>», comienza Lorca
este libro ¡asesinado por el cielo! Destruidas sus ilusiones por aquel cielo
vacío, aquel cielo del que habla en «<i>Danza
de la muerte</i>»<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Desfiladeros
de cal aprisionaban un cielo vacío<br />
donde sonaban las voces de los que mueren bajo el guano. <br />
Un cielo mondado y puro, idéntico a sí mismo,<br />
con el bozo y lirio aguado de sus montañas invisibles<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">El tono
de desesperación es latente en estos poemas y no puede ser ignorado, es una
desesperación silenciosa en la que el poeta se siente atrapado, emboscado,
aprisionado por la desesperanza que le inspira la sociedad en la que se
encuentra viviendo. La pena que le produce a Lorca esta ciudad es comprensible,
más aún si recordamos lo que dijo acerca de Nueva York en una entrevista: «<i>los ingleses han llevado allí una
civilización sin raíces. Han levantado casas y casas; pero no han ahondado en
la tierra</i>». En esa ciudad, Lorca no pudo encontrar un lugar donde
plantarse, no encontró orígenes, a diferencia de los vastos cimientos que tenía
Andalucía para darle. No encontró duende, no encontró misterio humano. En una
estrofa de «<i>Poema doble del lago Edem</i>»
no podría expresar su deseo más claramente:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Pero
no quiero mundo ni sueño, voz divina, <br />
quiero mi libertad, mi amor humano<br />
en el rincón más oscuro de la brisa que nadie quiera.<br />
¡Mi amor humano!<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y
conjuntamente con ese dolor propio, hay en sus palabras una crudeza con la que
evidentemente busca hacer reaccionar, hacer reaccionar a los protagonistas de
sus versos de su propia decadencia y de abrirle los ojos al lector de la
mentira que es Nueva York, de la realidad de sus habitantes y, quizás, busca
advertirle no caer en tal declive. Lo afirma muy bien Cernuda cuando define
este libro: «Poeta en Nueva York <i>es un
grito, en cierto modo profético, de protesta y de rebeldía; protesta a favor de
todo aquello que en nuestra sociedad está sometido bajo poderes injustos</i>.» En
«<i>Ciudad sin sueño</i>» hay una estrofa en
la que resuena ese tono profético, es un aviso en el que se incluye a sí mismo
en el riesgo de caer en el vacío:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">No
es sueño la vida. ¡Alerta! ¡Alerta! ¡Alerta!<br />
Nos caemos por las escaleras para comer la tierra húmeda<br />
o subimos al filo de la nieve con el coro de las dalias muertas. <br />
Pero no hay olvido, ni sueño:<br />
carne viva. Los besos atan las bocas<br />
en una maraña de venas recientes <br />
y al que le duele su dolor le dolerá sin descanso <br />
y al que teme la muerte la llevará sobre sus hombros. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y en<i> «Paisaje de la multitud que vomita» </i>encuentro
una de las estrofas más cruda de todas:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Llegaban
los rumores de la selva del vómito<br />
con las mujeres vacías, con niños de cera caliente, <br />
con árboles fermentados y camareros incansables<br />
que sirven platos de sal bajo las arpas de la saliva.<br />
Sin remedio, hijo mío, ¡vomita! No hay remedio.<br />
No es el vómito de los húsares sobre los pechos de la prostituta,<br />
ni el vómito del gato que se tragó una rana por descuido. <br />
Son los muertos que arañan con sus manos de tierra<br />
las puertas de pedernal donde se pudren nublos y postres.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Leer
estos versos supone un enfrentamiento duro con la realidad, donde Lorca pone
sobre la mesa la putrefacción de una gente que se ahoga en su propia banalidad,
y en la que insta a los que aún tienen remedio a vomitar, a repudiar esa
putrefacción. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Poco
vemos en su poesía este carácter social, donde más se presenta esa solidaridad con
el prójimo es, sin duda, en su teatro. Pedro Provencio, en el prólogo que
escribe para <i>Bodas de Sangre – La casa de
Bernarda Alba</i> (2010), sugiere que en su teatro «<i>además de responder igualmente a esa necesidad vital de expresión
artística, perseguía la repercusión externa inmediata, el prestigio, la
independencia económica, la intervención activa en el panorama socio cultural
de su tiempo. Poner personajes en escena para representar conflictos humanos
suponía entonces ocupar un puesto en la primera fila de la actualidad cultural</i>».
Sin embargo, se me hace imposible concebir que Lorca incluyera estos temas
sociales en su obra como simple deseo de alcanzar mayor éxito y prestigio, y no
como consecuencia de sus propias preocupaciones personales, o al menos no solo
con ese propósito. Con <i>Mariana Pineda </i>(1925),
por ejemplo, sabemos que quiso redimirse luego del fracaso que fue <i>El Maleficio de la Mariposa</i> (1919), pero
no fue únicamente eso lo que lo hizo hablar de esta mujer que existió en su
tierra: él quiso rescatarla de un cierto olvido en el que se hallaba, presentarla
al mundo como el verdadero símbolo de libertad que era. Mariana Pineda, la de
la historia, se le mostró como otro misterio de Granada y él creó en su obra a
la Mariana lírica, a la mujer tan puramente lorquiana. Cómo resuenan esos
lamentos de Mariana luego de leerlos: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">¡Yo
soy la libertad porque el amor lo quiso!<br />
¡Pedro! La libertad, por la cual me dejaste.<br />
¡Yo soy la libertad herida por los hombres!<br />
Amor, amor, amor y eternas soledades.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.25pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Claramente
García Lorca estuvo consciente del éxito que generaría presentar a un personaje
tan autóctono, pero lo hizo también como respuesta al compromiso que sentía, y
que sentiría siempre, de hablar y de presentar personajes y temas que
necesariamente tocaran la fibra más íntima de sus espectadores. Lorca sabía la
herramienta que suponía el teatro, así lo afirmaría en una conferencia: «<i>el teatro es uno de los más expresivos y
útiles instrumentos para la educación de un país y el barómetro que indica su grandeza
o su descenso. Un teatro sensible y bien orientado en todas sus ramas, desde la
tragedia al vodevil, puede cambiar en pocos años la sensibilidad de un pueblo</i>.»
Consecuente a sus palabras, supo siempre encaminar sus obras de manera que
sacudieran la realidad del espectador. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Debo
diferir también de Provencio cuando este asevera que «<i>el Lorca dramaturgo trató siempre los mismos temas</i>». Es obvio la
recurrencia de sus temas: la imposibilidad del amor, la muerte como compañera
del amor, la búsqueda de la libertad, la implacabilidad del destino. Pero estos
eran temas que rodeaban la naturaleza de sus personajes y que servían como
conducto para la médula de su obra. Si apreciamos su <i>Trilogía trágica</i>, veremos tres obras con ramas iguales que nacen de
troncos completamente diferentes. En <i>Bodas
de Sangre </i>(1933), muy a pesar de la inminente muerte, Lorca rompe con su
propia prefijación del amor imposible, pasando a una pasión desenfrenada que
roza lo erótico, en la que la determinación de los amantes lo puede todo, menos
estar lejos del otro. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Novia.— Estas
manos, que son tuyas,<br />
pero que al verte quisieran <br />
quebrar las ramas azules<br />
y el murmullo de tus venas.<br />
¡Te quiero! ¡Te quiero! ¡Aparta! <br />
Que si matarte pudiera, <br />
te pondría una mortaja<br />
con los filos de violetas. <br />
¡Ay, qué lamento, qué fuego<br />
me sube por la cabeza!<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Leonardo.— ¡Qué
vidrios se me clavan en la lengua!<br />
Porque yo quise olvidar y puse un muro de piedra<br />
entre tu casa y la mía. <br />
Es verdad. ¿No lo recuerdas?<br />
Y cuando te vi de lejos me eché en los ojos arena. <br />
Pero montaba a caballo<br />
y el caballo iba a tu puerta.<br />
Con alfileres de plata<br />
mi sangre se puso negra,<br />
Y el sueño me fue llenando<br />
las carnes de mala hierba:<br />
Que yo no tenga la culpa, <br />
que la culpa es de la tierra<br />
y de ese olor que te sale<br />
de los pechos y las trenzas. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En <i>Yerma</i> (1934), rodeada por aires de amor
frustrado, Lorca nos habla de una fecundidad fracasada. Yerma atestigua la
concepción de los hijos de las mujeres con las que se codea y ella, que busca
desesperadamente un primogénito, no logra tenerlo. La depresión de Yerma es
constante en el trascurso de una obra ciertamente apaciguada, que se siente
como un murmullo, y cuando pensamos que estos son los aires que pensamos que
inundaran a la obra en su totalidad, Lorca da el golpe certero y final que
añade otro tema: la locura, cuando Juan, marido de Yerma, le confiesa que no
desea un hijo y esta le adjudica a él la imposibilidad de concebir, y, aun
presenciándolo, no podemos creer que realmente Yerma ha acabado con la vida de
Juan en un arrebato de demencia cuando la tristeza contenida se desata en esta
última escena que cierra con la obra y nos deja boquiabiertos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><i><span style="line-height: 115%;">Yerma.— Eso nunca. Nunca. (Yerma </span></i><span style="line-height: 115%;">da un
grito y aprieta la garganta de su esposo. Este cae hacia atrás. Le aprieta la
garganta hasta matarle. Empieza el coro de la romería<i>.) Marchita, marchita, pero segura. Ahora sí que lo sé de cierto. Y
sola. (</i>Se levanta. Empieza a llegar gente<i>.) Voy a descansar sin despertarme sobresaltada, para ver si la sangre
me anuncia otra sangre nueva. Con el cuerpo seco para siempre. ¿Qué queréis
saber? ¡No os acerquéis, porque he matado a mi hijo, yo misma he matado a mi
hijo!<o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y
finalmente, en <i>La Casa de Bernarda Alba</i>
(1936), Lorca hace una crítica directa al costumbrismo absurdo granadino,
presentando a una mujer absolutamente encerrada en sí misma, a la que las
apariencias parecen importarle más que cualquier otra cosa y por ello somete a
sus cinco hijas a un asfixiante encierro en las que ni un solo hombre debe
verlas tan siquiera, y cuando la mayor de estas, ya casi una solterona más de
España, es pretendida solo por sus riquezas, las demás hijas quedan prendadas
de este hombre por ser el único hombre al que parecen tener acceso.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Esta
crítica no solo está disfrazada sino también marcada por otro amor frustrado,
el de la hija menor, Adela, y el pretendiente, Pepe El Romano. Y cuando este
amor conlleva a la muerte, lo que prevalece en los tonos de Bernarda Alba es la
preocupación por el qué dirán, cuando exclama implacable: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Bernarda.— No. ¡Yo no! Pepe, tú irás corriendo
por lo oscuro de las alamedas, pero otro día caerás. ¡Descolgarla! ¡Mi hija ha
muerto virgen! Llevadla a su cuarto y vestirla como si fuera una doncella.
¡Nadie diga nada! Ella ha muerto virgen. Avisad al amanecer que den dos
clamores las campanas. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Además,
con Bernarda Alba Lorca pone sobre las tablas el tema de la tiranía con esta
mandamás que impone su poder en la casa, donde se hace exactamente lo que ella
diga, ni más ni menos. Desde su entrada, Bernarda llega a mandar, a cerrar puertas
y ventanas, a recordar que es ella quien dictará las órdenes. Y cuando un
personaje tan español despotrica tan duramente contra los pobres y los
mendigos, Lorca se atreve a hacer una riesgosa crítica: «<i>Los pobres son como animales. Parece que estuvieran hechos de otras
sustancias.</i>» Tal como supone el crítico Ian Gibson, «<i>no pudo ser casualidad que Lorca concibiera una obra sobre la tiranía
en momentos en que había en España el peligro de un golpe de Estado fascista</i>.»
<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<b><i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Resonancias entre poesía y teatro <o:p></o:p></span></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">En lo
que sí concuerdo con Provencio, y es imposible no hacerlo,<b> </b>es en que «<i>al leer a García
Lorca, difícilmente podemos separar al poeta del dramaturgo: los dos trabajaban
siempre juntos</i>.» Toda la obra de Lorca se siente como que ha sido concebida
desde sus inicios siendo consciente de que habría siempre resonancias de la
poesía en el teatro y del teatro en la poesía. En <i>Romancero Gitano</i>, por ejemplo, hay mitos están planteados a modo de
narraciones, que nos crean momentos exactos en la mente, tal como continúa
Provencio: «<i>En su poesía encontramos con
frecuencia desdoblamientos líricos que se graban en la memoria como brevísimas
escenas</i>» Estos versos de «<i>Romance
sonámbulo</i>» fácilmente van creando una escena, una conversación, una
historia:<i> </i></span><b><i><span style="line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Los
dos compadres subieron.<br />
El largo viento, dejaba <br />
en la boca un raro gusto<br />
de hiel, de menta y albahaca.<br />
¡Compadre! ¿Dónde está, dime? <br />
¿Dónde está tu niña amarga?<br />
¡Cuántas veces te esperó! <br />
¡Cuántas veces te esperara,<br />
cara fresca, negro pelo, <br />
en esta verde baranda!<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Cernuda
también afirma que «<i>fue Lorca un poeta
dramático al mismo tiempo que lírico, y aunque no hubiera escrito teatro,
todavía sería poeta dramático por una parte grande de su poesía</i>.» En su <i>Libro de Poemas</i> nos encontramos con
poemas que nos presentan diálogos y conversaciones. En «<i>Balada de un día de julio</i>», una viuda habla con un ser más sabio.
Además, en este poema también vemos atisbos de sus dramas del futuro y
simbolismos que encontraremos en toda su obra:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="margin-left: 53.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">—<span style="font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><i><span style="line-height: 115%;">¿Dónde
vas, niña mía<br />
de sol y nieve?<o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 53.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">—<span style="font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><i><span style="line-height: 115%;">Voy a
las margaritas<br />
del prado verde.<o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 53.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">—<span style="font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><i><span style="line-height: 115%;">El prado
está muy lejos<br />
y miedo tienes.<o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 53.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;">—<span style="font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><i><span style="line-height: 115%;">Al airón
y a la sombra <br />
mi amor no teme.<o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 53.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><i><span style="line-height: 115%;"><br /></span></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En su
teatro, por su puesto, innumerables son los momentos en que la poesía se hace
presente no solo como valor estético, sino también en momentos en que el sentir
de la escena podía expresarse únicamente a través del verso, es decir, como
medio expresivo<i>. «El teatro es la poesía
que se levanta del libro y se hace humana», </i>dijo Lorca alguna vez, y eso lo
tuvo siempre presente.<i> <o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En <i>Amor de Don Perlimplín con Belisa en su
jardín </i>(1931)<i> </i>hallamos hermosos
versos del amor herido que prodiga Perlimplín:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Perlimplín.— Amor,
amor<br />
que está herido.<br />
herido de amor huido;<br />
herido,<br />
muerto de amor.<br />
Decid a todos que ha sido <br />
el ruiseñor.<br />
Bisturí de cuatro filos.<br />
Garganta rota y olvido.<br />
Cógeme la mano, amor, <br />
que vengo muy mal herido,<br />
herido de amor huido,<br />
¡herido!,<br />
¡muerto de amor!<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Por
supuesto, es imposible pasar por alto esa maravillosa humanización de la luna
en <i>Bodas de Sangre</i> en la que
semejante imagen poética imposiblemente hable de otro modo que no sea en verso.
«<i>Cisne redondo en el río, / ojo de las
catedrales</i>», se define la luna a sí misma, creándonos perfectas imágenes de
ella, para luego continuar con el tema de «<i>La
luna y la muerte</i>» que podemos recordar de <i>Libro de Poemas</i>:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.25pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Luna.— No
quiero sombras. Mis rayos<br />
han de entrar en todas partes,<br />
y haya en los troncos oscuros<br />
un rumor de claridades,<br />
para que esta noche tengan <br />
mis mejillas dulce sangre,<br />
y los juncos agrupados<br />
en los anchos pies del aire. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y en
Doña Rosita la soltera nos encontramos con la <i>definición</i> de una flor que es roja por la mañana, blanca a la tarde
y en la noche se deshace, la rosa mutabilis, que no es más que un símbolo de
las etapas de la vida de Rosita: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Cuando
se abre en la mañana,<br />
roja como sangre está.<br />
El rocío no la toca<br />
porque se teme quemar. <br />
Abierta al mediodía<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">es
dura como el coral.<br />
El sol se asoma a los vidrios<br />
para verla relumbrar.<br />
Cuando en las ramas empiezan <br />
los pájaros a cantar<br />
y se desmaya la tarde<br />
en las violetas del mar,<br />
se pone blanca, con blanco<br />
de una mejilla de sal.<br />
Y cuando toca la noche <br />
blanco cuerno de metal<br />
y las estrellas avanzan<br />
mientras los aires se van,<br />
en la raya de lo oscuro, <br />
se comienza a deshojar.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Al leer
a García Lorca somos testigos de la retroalimentación que hay entre teatro y
poesía: una se nutre de la otra, estética y expresivamente, y Lorca, adrede
como forma de mostrar mejor el sentir de algunas escenas y personajes y a modo
de trabajo narrativo de mitos e historias en sus poemas, e inconscientemente
como fruto de la inherencia que hay entre poeta y dramaturgo, trabaja esta migración
de géneros de manera deliciosa. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Madurez creativa<o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Poco
antes de su muerte, Lorca genera una literatura exquisita. En teatro, <i>Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las
flores </i>(1935), drama que yo incluiría a su <i>Trilogía trágica</i> para formar un <i>Cuarteto
trágico</i> (a pesar de sus toques de comedia), que está exquisitamente
planteado y que critica el estancamiento provinciano de las solteronas de
España. Está exquisitamente planteada porque esa <i>definición</i> de la rosa mutabilis que ya leímos se nos muestra al
principio de la obra, el lector o espectador, así como Rosita, no le da una
importancia más allá de notar lo excéntrico de la flor y la belleza de los
versos que la detallan, ese era el propósito, y a medida que transcurre el
tiempo es cuando uno se da cuenta de que esa rosa era precisamente Rosita, y
solo cuando finalmente Rosita cae desmayada citando los últimos versos de
aquella definición, la mismísima predicción de su destino:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Rosita.— Y
cuando llega la noche<br />
se comienza a deshojar.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Ella y
nosotros quedamos estupefactos porque Lorca ya nos había dicho desde el
principio el final, y como con todas sus obras, no podemos más que quedar
boquiabiertos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y en
1936, sin tan siquiera tener tiempo para estrenarla, Lorca escribió<i> La Casa de Bernarda Alba</i>, una obra
absolutamente impecable, netamente realista, «¡<i>realismo puro</i>!» exclamaría a sus amigos luego de leérselas. Desde
la primera línea dicha por la criada, esta nos introduce de inmediato en una
casa completamente provinciana granadina: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Criada.— Ya
tengo el doble de esas campanas metido entre las sienes.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 106.2pt; text-indent: -106.2pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><i><span style="line-height: 115%;"> </span></i><span style="line-height: 115%;">E incluso desde esa misma línea se hace
presente el martirio que supone Bernarda Alba y la obra misma, la Criada parece
estar hablando más bien de Bernarda y no de las campanas, y así mismo sucede
con cada palabra de la obra, cada escena: todo destila sufrimiento y todo
sufrimiento significa Bernarda.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">En
poesía, Lorca nos ofrece su perfecto <i>Diván
del Tamarit </i>(1936), sus <i>Sonetos</i> y
los poemas de<i> Llanto por Ignacio Sánchez</i>
<i>Mejías </i>(1935). <i>Diván del Tamarit</i> supone un regreso a su tierra, combina la madurez
y la pena personal de <i>Poeta en Nueva York</i>
con el sabor andaluz de sus primeras obras. Recuerda mucho a <i>Libro de Poemas</i>, pero sin lo disperso
que se sentía en su juventud, y lo andaluz se muestra de forma más hermética,
sufrida y personal, y los temas de amor y muerte siguen siendo constantes. En «<i>Gacela del niño muerto</i>» nos muestra una
Granada de muerte que el poeta sufre intensamente:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">No
quedaba en el aire ni una brizna de alondra<br />
cuando yo te encontré por las grutas del vino. <br />
No quedaba en la tierra ni una miga de nube<br />
cuando te ahogabas por el río. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Y en «<i>Gacela de la terrible presencia</i>» vemos
como esa intuición panteísta sigue presente en Lorca: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Yo
quiero que el agua se quede sin cauce.<br />
yo quiero que el viento se quede sin valles.<br />
(…)<br />
Puedo ver el duelo de la noche herida<br />
luchando enroscada con el mediodía. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">A la
muerte de su amigo y mecenas Ignacio Sánchez Mejías, Lorca produce una poesía
que fue de la mejor. Con innegable madurez y rasgos andaluces, tenemos todo un
poema de muerte, dolor y, sobre todo, duende. La letanía a la que suena «<i>La cogida y la muerte</i>» representan la
profunda tristeza provocada por la muerte, con lo andaluz y el toreo guiando
las palabras. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><i><span style="line-height: 115%;">Las
heridas quemaban como soles<br />
</span></i><span style="line-height: 115%;">a
las cinco de la tarde.<i><br />
Y el gentío rompía las ventanas<br />
</i>a las cinco de la tarde.<i><br />
A las cinco de la tarde.<br />
¡Ay qué terribles cinco de la tarde!<br />
¡Eran las cinco en todos los relojes!<br />
¡Eran las cinco en sombra de todos los relojes! <o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
<span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;"><span style="line-height: 115%;"><i><br /></i></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "trebuchet ms" , sans-serif;">Allen
Josephs propone que «<i>su creación poética
señala, más que una trayectoria, un florecimiento de temas, intuiciones y obras
cuyos gérmenes estaban ya en su primer libro de poemas</i>.» Esto es más que
cierto. Al leer la obra de Lorca uno lo siente como un todo, una obra entera
pensada desde un principio para concordar principio y fin, donde lo primero
resuena en lo último y viceversa, una obra toda concebida bajo un concepto
creativo muy claro, y es maravilloso pensar que esto fue resultado de las
inspiraciones que poco a poco surgieron en el poeta. Será siempre una lástima y
una gran tristeza pensar en su tan temprana muerte, que cortó tan abruptamente
con una etapa en la que Lorca estaba en plena madurez artística, y pensar en
las obras que aún tenía en mente para darnos, porque, estoy absolutamente
segura, Federico seguiría creando hasta sus últimos años de vejez. El pasado no
puede cambiarse ya, y hoy no nos queda más que saborear cada palabra de este misterioso
mundo lorquiano. </span><span style="font-family: "baskerville old face" , serif; font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-57666876939229218472016-04-18T16:44:00.001-07:002016-04-18T17:24:16.192-07:00E. E. Cummings, and...<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="line-height: 150%;">Tantos temas como maneras de hacer
poesía los explora Cummings en el poemario <b><i>&</i></b> (1925). Ya desde el mismo
título somos partícipes de sus juegos formales. Los poemas que lo componen
están como hechos de retazos de historias, y su lectura es como armar un
rompecabezas en el que las piezas encajan como sea que se unan: he allí lo
fascinante, Cummings nos obliga a desmenuzar el poema, a desarmarlo y a
volverlo a armar, a verlo al derecho y al revés hasta que le hayamos sacado todas
las significaciones o formas de leerlo posibles. Octavio Paz afirma que </span><i><span style="line-height: 150%;">«ninguna lectura es definitiva</span></i><span style="line-height: 150%;">», puesto que dos personas que lean
un mismo poema generarán dos interpretaciones distintas, y más aún, una misma
persona que lea un mismo poema en distintas épocas, también generará
interpretaciones distintas. Pero leamos tantas veces como queramos el mismo
poema de Cummings y este nos dirá una cosa distinta cada vez, en una sola
sentada. Su poesía es movediza, no ha dejado de evolucionar con los años, y con
leerlo y tratar de ahondar en él, removemos el agua turbia que es, damos vuelta
e intercambiamos las piezas; supone un reto tratar de esclarecerla.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; line-height: 150%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="line-height: 150%;">Los poemas de<b>
& </b></span><span style="line-height: 150%;">dan la sensación de que una voz serena nos guía a
través de sus entramados caminos, en ellos no hay tonos definitorios,
sentenciosos o premurosos, en cada una de las palabras con las que nos habla
Cummings hay una imperturbabilidad que nos invita a quedarnos en el poema, a no
saltar la página hasta que hayamos disfrutado y saboreado cada recodo. No hay
finales abruptos, sus poemas parecen estar siempre abiertos a seguir o a
repetirse. Esta imperturbabilidad, en algunos poemas, también se debe a la
forma de plasmar ideas en historias que cuenta. Ya en el primer poema, Cummings
nos relata su conversación con una mujer, la personificación del viento, a la
que introduce ya desde la primera estrofa: <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; line-height: 150%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">the wind is a Lady with<br />
bright slender eyes(who<br />
moves) at sunset<br />
and who—touches—the<br />
hills without any reason<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Y también en el tercer verso, ya
utiliza una palabra recurrente en sus poemas: el ocaso. En las dos estrofas que
le siguen es cuando Cummings nos habla de su conversación con el viento, y es
cuando nos damos cuenta del verdadero significado de este. <i><o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">(i have spoken with this<br />
indubitable and Green person “Are<br />
You the wind?” “Yes” “why do you touch flowers<br />
as if they where unalive,as<br />
<br />
If They were ideas?” “because,sir<br />
things which in my mind blossom will<br />
stumble beneath a clumsiest disguise,appear<br />
capable of fragility and indesicion<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Aquí se nos presentan las ideas como
flores muertas a las que el Viento, aquello que el viento pueda significar para
cada lector, reaviva al ocaso. Cummings pregunta por qué, y el Viento le
contesta que estas aparecen ante ella débiles, frágiles, indecisas.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Ya en los últimos tres versos de la
última estrofa, se dice que es el Viento
quien toca los “campos”, «<i>to me said
the)wind being A lady in a green / dress,who;touches:the fields / (at sunset)»</i>.
Veamos estos como las mentes donde
crecen las flores, las ideas, que el Viento habrá de mover al ocaso, como
reafirma Cummings.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Su planteamiento de las ideas
cobrando vida al ocaso, al anochecer, no es totalmente nueva. Ya en un poema de
su primer poemario, predecesor de este, <b><i>Tulips & Chimneys</i></b> (1923), Cummings ya sugería la calma que encuentra un
creador cuando cae la noche. «<i>the hours
descend, / putting on stars… / in the Street of the sky night walks scattering
poems</i>» terminaba el poema. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Un poema erótico ha sido el que me ha encandilado más,
por lo ingenioso de sus figuras retóricas, por la libertad que da a que
juguemos con el y por como algo tan explícito lo oculta tan audazmente.
Leámoslo sin hacer paradas. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">my smallheaded pearshaped<br />
<br />
lady in gluey twilight<br />
moving,suddenly<br />
<br />
is three animals. The<br />
minute waist continually<br />
<br />
with an African gesture<br />
<br />
utters a frivolous intense half of <br />
Girl which(like some<br />
<br />
floating snake upon itself always and<br />
slowly which upward certainly is pouring)emits<br />
a pose<br />
:to twitter wickedly<br />
<br />
whereas the big and firm legs moving solemnly <br />
like careful and furious and beautiful elephants<br />
<br />
(mingled in whispering thickly smooth thighs<br />
thnkingly)<br />
remind me of Woman and <br />
<br />
how between <br />
her hips India is.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">El primer verso lo componen dos palabras compuestas,
inventadas por Cummings, por supuesto, y que me parecen intraducibles. La única
traducción que he leído, las ponían como ”mi decabezachica piriforme”, y una
traducción literal sería algo como “mi pequeñacabezada peraformada”. Ambas
suenan risibles y pierden por completo el tono grave que exige ser el primer
verso de semejante poema. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">El segundo verso tiene dos palabras claves que nos
sumergen de inmediato en el tema del poema: viscosa medialuz. Esto nos da la
imagen, y hasta la sensación, inmediata de salivas, sudores, fluidos; y
Cummings acaba de decirnos que él está en esa medialuz, moviéndose, y de nuevo,
en el noveno verso, hace referencia a una <i>serpiente
flotadora, </i>y en como la describe es incluso literal. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">En la estrofa que le sigue, compara las piernas de la
mujer con hermosos elefantes, dándonos la imagen de unas piernas macizas,
firmes, para luego describir sus muslos como suaves y “<i>susurrantes</i>”. Cummings suele utilizar adjetivos que parecen estar fuera
de lugar pero que son más bien esclarecedores. Unos muslos susurrantes pueden
ser perfectamente unos muslos incitadores. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Para rematar el poema, aparentemente con inocencia,
como si fuera algo que acabara de ocurrírsele, Cummings sugiere que la mujer
lleva a la India entre sus caderas. Quien no conozca el mapa de la India y lo
descubra luego de leer este poema, probablemente resulte con un rostro de
sorpresa ante la picardía del autor. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Ahora bien ¿dónde están los juegos formales? Cummings
llena sus poemas de paréntesis aquí y allá que en primera instancia parecen
estar esparcidos al azar, pero la verdad es absolutamente diferente. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Este poema podemos dividirlo en tres partes: la
primera, todo aquello fuera de los paréntesis; la segunda, los primeros versos
entre paréntesis; y la tercera, los segundos versos entre paréntesis. Ahora que
tenemos estas tres piezas, somos libres de combinarlas tantas veces como sea
posible, y vernos frente a las diferentes lecturas del mismo poema. Es posible
leer únicamente la primera parte o únicamente la segunda y tercera. Podemos
leer la primera, luego la segunda y por último la tercera, o dejar la primera
para el final. O, más inauditamente, podríamos leer la tercera, la segunda y la
primera, y leyéndolo en ese orden una y otra vez, el poema no perdería sentido
sino que se convertiría en un círculo infinito de erotismo. Estamos, pues,
frente a un poema perfecto por donde se lea, lleno de, como diría Octavio Paz, <i>explosiones verbales, </i>que según él son<i> «resultado de su extrema y admirable
concentración poética».<o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><i><br /></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Habiendo leído estos dos poemas tan diferentes,
Cummings nos habla entonces de la vida y la muerte con un poema que tiene ese
mismo deseo de contar una historia que vimos en el primero. Nos presenta toda
una escena en un café cualquiera en la que personifica (de nuevo) a la Vida,
como un hombre que lleva flores en su cabeza para vender, presentando otra vez
a las flores y conectándolas intrínsecamente con la vida, si pensamos en el primer
poema podríamos decir la vida se trata de ideas; la Muerte, a la que nos
muestra joven; el yo poético y algún acompañante observan y discuten acerca de
estos dos personajes. La Vida y la Muerte se nos presentan en las dos primeras
estrofas.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">suppose<br />
Life is an old man carrying flowers on his head. <br />
<br />
young death sits in a café<br />
smiling,a piece of money held between<br />
his thumb and first finger<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">En la siguiente estrofa, mientras el
yo poético se cuestiona si la muerte comprará flores, este afirma:<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">And “Death is young<br />
life wears velour trousers<br />
life totters,life has a beard” i<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">La Muerte es atractiva, parece un
camino apacible y sencillo que tomar, mientras que la Vida está vejada, es más
fea, se tambalea. Y al terminar de hacer
su pregunta, su acompañante responde llanamente «I think so.» Es entonces
cuando entra en la escena el último personaje, una mujer esbelta que acompaña a
la Muerte: el Después.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 35.4pt;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">There is a lady,whose name is Afterwards<br />
she is sitting beside young death, is slender; <br />
likes flowers. <o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><i><span style="line-height: 150%;">Likes flowers</span></i><span style="line-height: 150%;">. No dice siquiera “<i>she likes flowers</i>”, como gramaticalmente
debería ser, tan solo «<i>likes flowers</i>»,
como un susurro, el detonante, las palabras que le dan sentido a todo el poema,
las que convierten una escena levemente sombría en una esperanzadora. Al
Después le gustan las flores, hay vida después de la muerte. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Cummings cierra <b><i>&</i></b> con un poema que ciertamente
me extrañó, pues no rodea las palabras que busca, no busca decir lo que quiere
de otra forma, no busca ocultar un significado bajo el disfraz de una palabra.
Esta vez es certero, en el mismo tono grave y apaciguado que envuelve a los
poemas anteriores, un tono solemne. Quizás porque hablar del cuerpo de su
amada, ya no en un sentido tan erótico como el del segundo poema, sino más bien
en un estado de fascinación, en un buscar enaltecer su cuerpo junto al de él,
exige que se despoje de toda fluctuación de la palabra. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">i like my body when it is with your <br />
body. It is so quite a new thing.<br />
Muscles better and nerves more.<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Para hablar del cuerpo de ella, comienza hablando del
suyo propio que, estando junto al de ella parece renacer en un cuerpo de
mejores músculos, de más nervios. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">I like your body. i like what it does,<br />
i like its hows. i like to feel the
spine<br />
of your body and its bones,and the trembling<br />
-firm-smooth ness and which i will<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="line-height: 150%;">Las cosas que enumera en estos versos
no son las que habitualmente diría una persona que le gusta del cuerpo de otra,
no son sus piernas, su cabello y sus senos, es lo que hace, sus cómos, la
espina, sus huesos: lo más profundo de ella, la esencia de su cuerpo, todo lo
que lo conforma. Dice también “trembling-firm-smoothness” (temblorosa-firme-suavidad),
esta forma compuesta de adjetivar palabras es usual, en poemas anteriores
podemos encontrarnos con compuestos como “fear people bells</span><span style="line-height: 150%;">” (campanas de miedos de gente), o
“rain-warm-naked” (desnudo como lluvia cálida).<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; line-height: 150%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">again
and again and again<br />
kiss, i like kissing this and
that of you<br />
i like,slowlystroking the,shokingfuzz<br />
of your electric fu,and what-is-it comes<br />
over parting flesh….And eyes big love-crumbs<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="line-height: 150%;">En
estos versos confirmamos lo que dice Terry Eagleton<i>: «Cummings a menudo abandona todo signo de puntuación o lo aloja entre
dos palabras como si quisiera que resultara tan discreto como sea posible.(…)» </i>A
lo largo de sus poemas hemos visto como la puntuación se pierde entre las
palabras o es inexistente, como en uno de los versos del segundo poema, «</span><i><span style="line-height: 150%;">mingled in whispering thickly smooth thighs», </span></i><span style="line-height: 150%;">en el que las palabra enumeradas
deben ser dichas apaciguadamente de tajo. Eagleton continúa diciendo que</span><span style="line-height: 150%;"> <i>«se
entiende por qué no quiere puntos (…): sería un gesto demasiado definitivo y
enérgico para una estrofa tan delicada y tenue como tela de araña, razón por la
que también el poeta evita el uso de mayúsculas.» </i>esto tiene que ver con lo
que dije en un principio de que en la poesía de Cummings </span><span style="line-height: 150%;">no
hay tonos definitorios, sentenciosos o premurosos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; line-height: 150%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="line-height: 150%;">Rememorando el principio, Cummings
finaliza el poema, y todo el poemario, con estos bellísimos versos. </span><i><span style="line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; line-height: 150%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">and
possibly i like the thrill<br />
<br />
of under me you so quite new<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: 35.4pt;">
<i><span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></span></i></div>
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">En
este poemario, que fue auto-publicado, Cummings crea un entramado que el
lector, luego de apreciarlo, se ve obligado a deshilarlo hasta llegar a la
raíz. Claramente influenciado por los caligramas Apollinaire, Cummings nos
presenta una poesía que, rompiendo toda barrera que pueda imponerle su lengua,
nos invade con una voz absolutamente original y personal, adentrándonos en su
mundo poético, dejándonos con poemas que seguirán haciéndonos ruido. Como lo ha
hecho desde siempre, su obra seguirá evolucionando y reproduciéndose con cada
lectura que le de nuevas significaciones a sus palabras. Allí reside la
maravilla de su poesía. </span><span style="font-family: "lucida bright" , serif; font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-5720415378486950692015-06-17T16:42:00.002-07:002015-06-17T16:57:24.514-07:00La relevancia de la teatralidad en la danza <blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: center;">
<i>Los grandes bailarines no son geniales por su técnica, son geniales por su pasión.</i></div>
<div style="text-align: right;">
<b>- Martha Graham</b></div>
</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
En la danza, <b>técnica y teatralidad son elementos fundamentales.</b> No puede hablarse de cual es más importante, pues sería imposible llegar a un acuerdo dado que una no existe sin la otra. Pero lo que para mí es sin duda más trascendental, es la teatralidad. Y al hablar de teatralidad no solo me refiero a la capacidad interpretativa del bailarín, sino también a <b>la pasión de su entrega a los movimientos. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El bailarín primero debe aprender una técnica para más tarde aprender a dominarla, pero la danza no se reduce a esto, ver un acto de danza no es en lo absoluto una simple muestra de las habilidades de quien la ejecuta, es ser testigo de <b>una historia contada a través del cuerpo.</b> De lo contrario, seríamos espectadores de nada más que un <i>show</i>. <b>Una técnica impecable no es otra cosa que el medio por el cual nuestro cuerpo logra expresarse</b>, tanto como lo es el estilo narrativo de un escritor el medio por el que su historia surge. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Todo en la danza es un equilibrio. Deben haber momentos de mesura en una coreografía, pero de resto, <b>uno no puede encerrarse en la perfección deseada, sino más bien perderse en ella, </b>explorarla poco a poco desde adentro para finalmente romper las barreras de lo que se espera de nosotros. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el proceso coreográfico de una obra reciente en la que participé, mi maestra nos dijo: "<i>Más expresión, más expresión. Cuando se vea exagerado, yo les diré.</i>" Nunca nos dijo que se viera exagerado. Entendí perfectamente que ella sentía en nosotras esa mesura constantemente, un miedo a sorprender, a salir de lo que creemos que se espera que hagamos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Para hablar de este tema tengo un ejemplo maravilloso. Se trata de dos importantes bailarinas de ballet rusas, haciendo la misma variación como <b>Kitri en el primer acto de Don Quijote. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La primera es <span style="text-align: center;"><b>Svetlana Zakharova</b>, famosa por su perfecta </span><span style="text-align: center;">técnica</span><span style="text-align: center;">. </span> </div>
<div>
<br />
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/59bVZvjt1NU/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/59bVZvjt1NU?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Ciertamente, la perfección de sus movimientos es innegable. No hay nada que corregir en ella. Pero le falta algo que ningún maestro puede enseñarle. Esa teatralidad que, en cambio, sí posee <b>Natalia Osipova</b>, la siguiente bailarina, quién es famosa precisamente por ello.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/SOvXo841L1o/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/SOvXo841L1o?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En ella se ve el gusto con el que interpreta a su personaje a pesar de que su técnica no es tan perfecta como la de Svetlana. Pero hay pequeños detalles que son únicos de ella que de los que el espectador puede darse cuenta de que nadie se los enseñó. No es solo la sonrisa de su rostro ni el brillo de su mirada, si no también <b>el balanceo de sus hombros, la fluidez de sus manos y la diversión de sus piernas, tan impropios de la danza clásica. </b></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<span style="text-align: justify;">Es importante la perfecta ejecución de una técnica, pero es su interpretación lo que marca la diferencia. </span><br />
<span style="text-align: justify;"><br /></span>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></a></div>
Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-42605237532113962872015-06-15T20:03:00.000-07:002015-06-15T20:07:15.222-07:00El Cuento: encuentro entre la belleza y lo fatídico a través del lenguaje <div style="text-align: justify;">
Si alguna vez me he sentido estar frente a un reto, es en este momento, cuando me dispongo a escribir un comentario acerca de lo que para mí es el cuento, pues nunca me había encontrado con un género tan contradictorio y difuso en su concepto (si es posible que tenga uno verdaderamente).<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La experiencia de leer un cuento es, o debería ser, como estar atado en un riel, con la intensidad de saber que tarde o temprano el tren nos impactará y la expectativa de no saber cuándo, pero sabiendo que lo hará en la brevedad y la precisión de una locomotora que va a toda velocidad, firme en su paso. Y no nos queda más que aceptar el golpe, la impresión.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Es difícil, pero enriquecedor a su vez, hablar del cuento. Cada vez que uno cree tener una idea certera de lo que es, leeremos un nuevo cuento que diverja de eso. El cuento es un género que parece nutrirse sin parar, no se estanca en un concepto predispuesto ni se enmarca en reglas invariables.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Por eso en este comentario no busco responder qué es un cuento, sino qué hace a un cuento ser un cuento. </div>
<div style="text-align: justify;">
Desde mi perspectiva, es más esclarecedor acercarse a cierto concepto de cuento comparando dos que a simple vista parecen ser absolutamente distintos, pero que en sus entrañas son muy similares.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
He elegido los siguientes dos cuentos por numerosas razones. El primero es La Luz es como el Agua, de Gabriel García Márquez. El segundo, El Hijo, de Horacio Quiroga. Fueron escritos en 1978 y en 1928, respectivamente, con cincuenta años exactos de diferencia entre sí. Escritos por mentes creadoras absolutamente disimiles, en contextos completamente desiguales. El estilo y la temática de ambos cuentos no podrían ser menos parecidos. Pero encontré en ambos elementos que me conmovieron absolutamente.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hasta ahora, estos dos cuentistas han sido quienes me han fascinado más, por lo que no podía hacer otra cosa que hablar de los dos, y por tanto que me han gustado, encontrar lo que los diferencia como cuentistas, y lo que los asemeja para yo preferirlos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<b><span style="font-size: large;">LA LUZ ES COMO EL AGUA</span></b></div>
<div style="text-align: right;">
<i><span style="font-size: large;">Gabriel García Márquez</span></i></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si hay un comienzo que amo, es el de Cien Años de Soledad, que fue mi primer acercamiento a García Márquez. Cuando comencé a leer sus cuentos, me di cuenta de que muchos de sus comienzos causaban el mismo efecto que el de su famosa novela: una inmersión inmediata al contexto de la historia.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i>“En Navidad, los niños volvieron a pedir un bote de remos.”</i></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Esa es la primera oración del cuento, a la que no le sigue ni siquiera un punto y seguido, sino un punto y aparte: no da cabida a la vacilación, el lector ya es parte de la historia y no hay vuelta atrás.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Existe un equilibrio en la narración del cuento, pues los hechos que lo conforman se van presentando con una agilidad palpable, pero no por ello se vuelve apresurado ni deja de resaltar cada uno de los detalles relevantes.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i>“Pero al final ni él ni ella pudieron negarse, porque les habían prometido un bote de remos con su sextante y su brújula si se ganaban el laurel del tercer año de primaria, y se lo habían ganado. Así que el papá compró todo sin decirle nada a su esposa, que era la más reacia a pagar deudas de juego.”</i></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En tan solo un corto párrafo García Márquez nos cuenta acerca de la promesa que tiempo atrás los le hicieron los padres a sus hijos, el que los niños cumplieron su parte del trato, y que finalmente el padre compró el bote. Mucho tiempo pasó en esas cuantas líneas, una acción es seguida por otra acción, no se regodea en un solo suceso, pero se toma las palabras para dejarlo todo bien claro. Allí se encuentra la brevedad.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un aspecto interesante de este cuento es el momento en que se encuentran las dos historias que hay en él, la oculta y la revelada. Cuando en los cuentos esta convergencia se produce al final, en La Luz es Como el Agua sucede casi al principio. En el momento en que los niños parten la bombilla, igual que surge la luz, surge la segunda historia, y de ahí en adelante estas dos historias se muestran paralelamente: es ahí donde habita la intensidad, pues a pesar de que los niños no le dicen la verdad a sus padres, el lector sí la conoce y la teme.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Es curioso al mismo tiempo que yo misma tan solo resalte el que se muestren historia oculta en el momento en que surge de la bombilla luz que es como el agua, y no el tono fantástico de ese hecho. Tal como afirma Julio Ramón Ribeyro en su Decálogo para Cuentistas: “la historia del cuento puede ser real o inventada. Si es real debe parecer inventada, y si es inventada, real.” Y tal cual, el lector acepta lo mágico como parte indiscutible de la realidad del cuento.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i> “-Está mal que tengan en el cuarto de servicio un bote de remos que no les sirve para nada -dijo el padre-. Pero está peor que quieran tener además equipos de buceo.”</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i>“-Es que estos niños no se ganan ni un clavo por cumplir con su deber -dijo ella-, pero por un capricho son capaces de ganarse hasta la silla del maestro.”</i></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hay intensidad en el sentir de los padres, pues uno lee esas líneas y nos sentimos cómplices de los niños sin querer serlo, hace que el lector quiera gritarles a los padres la verdad.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La idea de que la luz es como el agua me parece absolutamente bella y fantástica, y me parece maravilloso la precisión con que García Márquez transmite esa hermosura en tan solo unas cuantas líneas. La describe como una luz fresca y dorada. No hacen falta más adjetivos, pues estos encierran otros más. Adjetiva la luz al decir que era dorada, con lo que nos da la imagen visual, inmediatamente estamos ante la presencia de una luz brillante como el oro, potente y abarcadora, sumamente luminosa. Y nos da una imagen táctil al definirla fresca como el agua: nos da una sensación de ligereza, de etereidad en la navegación que realizan los niños, así como de etereidad en la lectura. Este cuento nos eleva igual que eleva la luz el bote que manejan los niños, ellos con su sextante y su brújula, y nosotros, lectores, con García Márquez llevándonos a través de sus palabras. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<b><span style="font-size: large;">EL HIJO</span></b></div>
<div style="text-align: right;">
<i><span style="font-size: large;">Horacio Quiroga</span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En El Hijo existe una intrínseca relación entre el personaje del Padre con la historia, él nos va llevando de la mano a través de ella, abriendo su mente al lector. El sentido y el estilo del cuento se muestra perfectamente en su locura y en sus pensamientos, y viceversa: en el modo de Quiroga de exaltar la naturaleza y el ambiente que rodea a los personajes, nos muestra cómo se siente estar en el cuerpo del Padre, que es un remolino de preocupaciones, imaginaciones y dudas.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pienso que el primer párrafo, incluso tan solo la primera línea, resume la completamente las sensaciones que envuelven toda la historia. Ya desde el primer momento se nos muestra a la naturaleza un personaje más, algo vivo y pensante, algo demasiado grande contra lo que el hombre no puede luchar.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i>“Es un poderoso día de verano en Misiones, con todo el sol, el calor y la calma que puede deparar la estación. La naturaleza, plenamente abierta, se siente satisfecha de sí.”</i></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y lo curioso de ese potente comienzo es que el lector siente ese mismo aire de sofocante desolación durante el resto del cuento, sin que Quiroga tenga que volver a hacer una descripción de esa naturaleza. Tres líneas, y el contexto ya es completamente claro. “Un cuento es una novela depurada de ripios“, dice Quiroga en su propio Decálogo del Perfecto Cuentista, y es precisamente eso lo que sucede en El Hijo: a fin de ser breve, Quiroga busca causar una impresión acertada en el lector de modo que no tenga necesidad de extenderse y regodearse en una misma idea.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hubo unas líneas que me estremecieron lo más profundo del alma, que me conmovieron enteramente, que fueron sin duda mis favoritas de todo el cuento. Son estas:<br />
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<i>“Y si la voz de un hombre de carácter es capaz de llorar, tapémonos de misericordia los oídos ante la angustia que clama en aquella voz.”</i></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Qué perfecta muestra de precisión somos afortunados de atestiguar. No hay nada más que decir luego de eso, y de hecho Quiroga no lo hace, no intenta complementar esa idea porque no hace falta, simplemente salta a otra acción, dejándonos con el corazón vacío y el entrecejo fruncido de compasión. Desde la primera vez que lo leí, sigo anonadada ante la maestría con la que Quiroga maneja el lenguaje.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Quiroga juega con las sensaciones que puede causarle el lector. Si anteriormente dije que leer un cuento era como esperar el impacto implacable de un tren, este cuento es más bien como una montaña rusa. Cuando el Padre decide salir a buscar a su Hijo y comienza a llamarlo sin obtener una respuesta, nos encontramos en un momento completamente intenso en el que esperamos encontrar al Hijo muerto. Llegados a este punto, se siente un nudo en la garganta y un no poder respirar, y justo cuando estamos a punto de soltar la primera lágrima de dolor por el Padre, este encuentra a su pequeño, entonces soltamos un suspiro de alivio en lugar de aquella lágrima ahora olvidada. Pero, ya calmados, nos damos cuenta de que nada ha terminamos. Leemos los últimos párrafos, y finalmente conocemos el fatídico final.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Tal como aconseja Quiroga: “No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir, y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.” Y es eso precisamente lo que él hace con su propio cuento. No se desborda en el camino, sino que anda con mesura. Nos subimos con él al tren de la montaña rusa, subiendo lentamente hasta la parte más alta, y finalmente llegamos. Y creemos que todo está bien, hasta que abruptamente nos lanza al vacio. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<i><span style="font-size: large;"><b>Por qué encuentro, por qué entre la belleza y lo fatídico y por qué a través del lenguaje</b></span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Las diferencias entre ambos cuentos son claras. No hay punto de comparación entre el estilo de Gabriel García Márquez y el de Horacio Quiroga. Al primero lo sentí como a la espera de un tren, y al segundo lo sentí como manejar ese tren en un carril desigual. Pero ¿qué hace que los considere a ambos majestuosos ejemplos de su género? La convergencia entre lo poético y lo horrible, el encuentro entre la belleza y lo fatídico.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>La Luz es Como el Agua</b> no nos cuenta otra cosa que la muerte de un gran grupo de niños que decidieron hacer travesuras. No existe moraleja alguna tan siquiera, algo que justifique esa muerte. Y sin embargo, hay algo sublime en la forma en que mueren: ahogados en la luz. Y no significa otra cosa, no es una alegoría, no es una metáfora, sino que literalmente se ahogaron en la luz, una luz dorada y fresca. Incluso es hilarante, el que García Márquez nos haga presenciar una muerte en masa, y aún así nos maraville.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Por otro lado, <b>El Hijo</b> toca la muerte desde la locura y la demencia. Nosotros leemos el cuento sin saber que el Hijo está muerto desde el comienzo, desde el momento en que se va. Pero es que nosotros vamos junto al Padre, creyendo, como él, que su hijo está vivo. Qué trágico es el que su Padre lo busque y crea haberlo encontrado, pero que hermoso es ese amor desmesurado hacía su hijo, que lo hace sentir su presencia acompañándolo, cuando en realidad vuelve solo.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un buen cuento está en el nexo que une esos dos polos: el lenguaje, y un uso maestro de él a fin de transmitir una idea imposible con brevedad, precisión e intensidad.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-8026509994624065412015-06-07T15:10:00.005-07:002015-06-07T15:10:58.961-07:00Leyendo Imágenes: La Persistencia de la Memoria, de Salvador Dalí<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<img src="http://uploads5.wikiart.org/images/salvador-dali/the-persistence-of-memory-1931.jpg" height="446" width="596" /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Este cuadro llegó a mí por un poeta, por una película. Bien lo sé ahora que en ese entonces <b>llegó a mí como una premonición de que el futuro vendría implacablemente</b>. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Contra toda insistencia de amigos de que escogiera otra pintura no tan “trillada”, escojo <i>La Persistencia de la Memoria</i> firmemente, pues cuando volvió a mí nuevamente, en medio de una conversación, lo hizo casi por la casualidad de querer decirme algo y en el momento más propicio.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Volvió a mí cuando leía y comenzaba a conocer a un gran poeta: Eugenio Montejo. Empezaba a conocerlo a él y a su terredad que era la mía misma, a vislumbrar las ansías por permanecer y trascender. Fue un momento en que <b>sentí cómo dos expresiones artísticas diferentes pero a la vez tan similares convergieron en mí</b>. Poesía y pintura. Sentí su desenlace mutuo. Es decir, en ese entonces no comprendía las palabras de Montejo tan bien, ni tampoco los trazos de Dalí. Sin embargo, en esa compaginación de textos, uno me hizo entender mejor al otro, se daban sentido y se entremezclaron significaciones. Tuve el placer de tener una perspectiva mucho más enriquecedora de ambas obras de arte. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Veo esa visión de Dalí y<b> todo lo que veo es el paso inevitable del tiempo</b>. El tiempo, como los relojes de Salvador, se nos escurre entre los dedos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero hay tantas cosas en esta pintura que no es lo surreal lo que más llama mi atención, sino quizás aquello que es más real: la luz abarcadora de esa llanura que permite aceptar el sobrevenir de los años, la difusa unión del cielo y el mar que nos eleva a una dimensión mucho más sublime. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hay un rostro entregado, despojado de sí, convirtiéndose uno con la tierra y sus vueltas. Hay un suspirar en las pestañas que acarician la mejilla, <b>una resignación al saber que el tiempo las supera </b>y es aplastante.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Casi todo en este cuadro me transmite un total apaciguamiento, excepto una cosa: un reloj alejado, casi excluido de los demás, de un naranja ardiente. Un reloj de bolsillo que parece estar cerrado y devorado por hormigas. <b>Es como una advertencia directa y atormentadora de las memorias que pueden perderse</b>, de las horas que sin darnos cuenta se nos pueden ir en vacío, sin ningún peso que haga a nuestros relojes caer, sin memorias que vuelvan blandos el recordar. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La Persistencia de la Memoria es muchas cosas, una advertencia, una preocupación, una premonición. <b>Pero sobretodo, es una visión de la humanidad y de toda su historia, de su paso por la tierra. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><b>TERREDAD</b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>de Eugenio Montejo</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Estar aquí por años en la tierra,</div>
<div style="text-align: justify;">
con las nubes que lleguen, con los pájaros,</div>
<div style="text-align: justify;">
suspensos de horas frágiles.</div>
<div style="text-align: justify;">
A bordo, casi a la deriva,</div>
<div style="text-align: justify;">
más cerca de Saturno, más lejanos,</div>
<div style="text-align: justify;">
mientras el sol da vuelta y nos arrastra</div>
<div style="text-align: justify;">
y la sangre recorre su profundo universo</div>
<div style="text-align: justify;">
más sagrado que todos los astros.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Estar aquí en la tierra: no más lejos</div>
<div style="text-align: justify;">
que un árbol, no más inexplicables,</div>
<div style="text-align: justify;">
livianos en otoño, henchidos en verano,</div>
<div style="text-align: justify;">
con lo que somos o no somos, con la sombra,</div>
<div style="text-align: justify;">
la memoria, el deseo, hasta el fin</div>
<div style="text-align: justify;">
(si hay un fin) voz a voz,</div>
<div style="text-align: justify;">
casa por casa,</div>
<div style="text-align: justify;">
sea quien lleve la tierra, si la llevan,</div>
<div style="text-align: justify;">
o quien la espere, si la aguardan,</div>
<div style="text-align: justify;">
partiendo juntos cada vez el pan</div>
<div style="text-align: justify;">
en dos, en tres, en cuatro,</div>
<div style="text-align: justify;">
sin olvidar las sobras de la hormiga</div>
<div style="text-align: justify;">
que siempre viaja de remotas estrellas</div>
<div style="text-align: justify;">
para estar a la hora en nuestra cena</div>
<div style="text-align: justify;">
aunque las migas sean amargas.</div>
<div style="text-align: right;">
<img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></div>
<div>
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-102816161621245762015-06-07T15:10:00.002-07:002015-06-07T15:10:22.335-07:00Terredad, de Eugenio Montejo: Paso de un poeta por la tierra<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7tO_J35-xvW-IJMnuE7fetsHAz9P0ynqSp694jem5jLrveu4JiuiJroXOcaRgeMMxdtErZTu0zWzbljxwoRizX40Ti4EBfuUPHSKe9-VzAOkjAfo3knw_u5Ip-dfEoedUh9C49dI9k1Jv/s1600/large.jpg" /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
Es imposible, tras leer todo Terredad, verse en la capacidad de escoger un único poema y hablar de él como un objeto independiente. Un poema de Terredad, sea cual sea, inevitablemente nos lleva a otro, y ese otro lleva a otro más, y de esa manera se van hilando hasta formar una historia que se encuentra más allá de las palabras: <b>Montejo convierte las palabras en algo tangible que el lector ve como un velo que cubre la realidad, y está en cada uno de nosotros removerlo</b>, y la historia que hasta ese momento había estado oculta se cuenta a sí misma a partir de ahí. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Octavio Paz dice que “<i>El poeta encanta al lenguaje por medio del ritmo. Una imagen suscita a otra.</i>” Y es ésta la razón por la cual el lector se ve tan profundamente inmerso en Terredad: comienza leyendo un poema, y en un parpadear se ve envuelto por tantos más que complementan al primero, porque es dificilísimo leer “En el Bosque” y que las imágenes que allí se nos presentan no nos lleven de la mano hasta “Un Samán”, o que los ocres árboles de “Los Otros Árboles” no nos recuerden al otoño de “Creo en la Vida”.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y así se siente la experiencia de leer Terredad, es un saltar de página en página,<b> cada poema revela algo del anterior. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Terredad, <b>para mí, fue una lectura sumamente íntima</b>. “<i>Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: ya lo llevaba dentro</i>”, ha dicho Octavio Paz. Tiene razón al decir que no es insólito encontrarlo, pero menos extraño aún es encontrarlo en Terredad. El lenguaje que usa Montejo es presto a interpretarse de infinitas formas, diez personas pueden leer uno de sus poemas y nos encontraremos con diez ideas diferentes. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Leer Terredad no solo <b>supuso para mí una identificación con numerosos poemas, sino también un dialogo entre Eugenio y yo</b>. Su afán por quedarse, por permanecer, por trascender, así como su apego a los recuerdos y al pasado, a los ancestros, fue lo que me causó más empatía. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hoy escribo esto, y estoy a punto de decir un sinfín de cosas acerca de este poemario y las diré con total seguridad. Pero volveré a leerlo en cinco años y leeré este comentario, y lo más probable es que muchos de estos pensamientos hayan cambiado para entonces. Es decir, <b>Terredad es un espejo donde uno se refleja, uno con todos sus recuerdos, pensamientos, ideas y experiencias.</b> Esto explica lo que quiere decir Octavio Paz cuando afirma que “<i>cada vez que el lector revive de veras el poema, accede a un estado que podemos llamar poético. La experiencia puede adoptar esta o aquella forma, pero es siempre un ir más allá de sí, un romper los muros temporales, para ser otro</i>.”</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">EN EL BOSQUE</span></div>
<div style="text-align: justify;">
Montejo abre Terredad con "En el Bosque", <b>dándonos un vasto panorama de su sentir en un contexto que bien se adapta a cualquier época: la represión de aquel ser diferente, poeta, revolucionario, causada por la sociedad</b>; los límites a los que se ve sometido por el pensar de las personas promedio. “<i>En el bosque, donde es pecado hablar, pasearse, / no poseer raíz, no tener ramas, / ¿qué puede hacer un hombre?</i>”. Esta imagen no podría ser más inteligente. Uno puede permitirse ser literal e imaginarse a un hombre intentando ser parte de un bosque, intentando ser un árbol. Le sería tan imposible como lo es para Eugenio el ser parte de la sociedad en la que vive. Y entonces nos toma de la mano y nos adentra a este bosque, su bosque. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFH11WxLxKrUyz12sfmqUg7AUN0dsOajy0AmbyiDfvJzRqdVvYiaUNxoIgubJSHUmNP9V-veGqZM1OidB1R9hOD_u4Vd81BnAl_tyVgUVT_u8tO26Sn9wjp1JK18zMPLxyAEYmA2MigVrz/s1600/large+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFH11WxLxKrUyz12sfmqUg7AUN0dsOajy0AmbyiDfvJzRqdVvYiaUNxoIgubJSHUmNP9V-veGqZM1OidB1R9hOD_u4Vd81BnAl_tyVgUVT_u8tO26Sn9wjp1JK18zMPLxyAEYmA2MigVrz/s400/large+%25281%2529.jpg" width="400" /></a>Le sigue un verso que no me deja de parecer curioso: “<i>La soledad no basta para engañar al viento</i>”. Esta es la primera aparición del viento en Terredad, y tras pensar muchísimo para lograr saber lo que representa, aún no lo descubro. Sin embargo, <b>puede verse al viento como una entidad superior y omnisciente.</b> Ya al final del primer fragmento el viento vuelve a aparecer: “<i>de ningún brazo se construye una puerta, / la piel, las uñas nunca sirven / para un nido de pájaros. / Y el viento lo sabe.</i>” Lo que él es no es de utilidad (ni quiere que lo sea) para los intereses de los que habitan en ese bosque, y el viento lo sabe. El viento no puede ser engañado y todo lo sabe, una idea que no deja de resonarme. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El segundo fragmento comienza con versos que por ahora son difíciles de descifrar, “<i>En el bosque, quien no ha logrado ser un árbol, / sólo puede llegar de parte del otoño / a pedir unas hojas,</i>” ¿qué es el otoño en este bosque? Pues es aquí dónde se encuentra la maravilla de Terredad. <b>Más adelante, cuando leamos ciertos poemas, frunciremos el ceño porque una imagen nos rememoró a esta</b>, volveremos páginas atrás hasta este poema, y comprenderemos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“En el Bosque” está lleno de desilusión y tristeza, no hay duda, no hay más que leer esos versos resignados que terminan el poema: “<i>mejor si lleva harapos de mendigo, /algún morral raído, un palo, un perro / y ninguna esperanza</i>.” Dice Octavio Paz que la poesía son “<i>expresiones de algo vivido y padecido</i>”, y es exactamente eso lo que es este poema. Y <b>quiero recalcar el participativo “padecido”, que es tan diferente a “vivido”: Montejo no solo vive esta angustia que lo sofoca, sino que también la soporta, la sobrelleva con su poesía. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Reconocer la desesperanza inicial es crucial, es el origen de toda una transformación</b>, una transformación que sigue adelante. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">SOLO LA TIERRA</span></div>
<div style="text-align: justify;">
“Solo la tierra” es apenas el tercer poema de Terredad, tan solo nos encontramos en el principio, pero <b>ya aquí vemos los primeros indicios de lo que es la terredad de Montejo</b>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Desde el principio se hace hincapié en que solo en esta tierra estamos despiertos, realmente vivos, sin importar a donde vayamos. Ya el primer fragmento nos lo dice: “<i>Por todos los astros lleva el sueño / pero sólo en la tierra despertamos.</i>” Y lo mismo el segundo, donde hace uso de una exquisita metonimia: “<i>Dormidos flotamos en el éter, / nos arrastran las naves invisibles / hacia mundos remotos / pero sólo en la tierra abren los párpados</i>.”, <b>esos versos producen una imagen somnolienta, fácilmente nos rememora a ese estado de sueño en el que no contralamos lo que pasa en nuestra mente</b>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Lo que me parece curioso de “Solo la Tierra” es su carácter introductorio. En los poemas que le sigue, Montejo habla con pasión del lugar de donde viene, sin hablar de la tierra como tal. Sin embargo, para llegar a ese punto, <b>Montejo nos hace amar la tierra enteramente y nos muestra su propia devoción hacia ella. </b>“<i>La tierra amada día tras día</i>”, comienza el tercer fragmento, y es precioso lo que dice en los primeros versos del cuarto: “<i>Siempre seré fiel a la noche / y al fuego de todas sus estrellas</i>”. Pero es a partir de allí, con los siguientes versos, cuando empezamos a entender que más que amar a la tierra, ama a su tierra, su tierra natal. “<i>Más que el silencio de la tumba / temo la hora de la resurrección: / demasiado terrible / es despertar mañana en otra parte.</i>” Así finaliza este poema, dejándonos sumamente pensativos, y, tal como lo dice Paz, <b>“<i>provoca una expectación, suscita un anhelar</i>”. Expectantes, anhelantes... así nos deja Eugenio. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">TERREDAD</span></div>
<div style="text-align: justify;">
Nos encontramos con la esencia del poemario, el poema que considero más importante de comprender, pues al hacerlo se esclarece la mente y entendemos a Eugenio mucho más profundamente. <b>Nos encontramos con la esencia misma de Eugenio Montejo. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Qué es la terredad? ¿Cuál es la terredad de Eugenio? La que ya habíamos avistado levemente en “Solo la Tierra”: <b>terredad es trascendencia y permanencia.</b> Nada más. <b>Terredad es quedarse, no huir, persistir y luchar por los ideales que quieren alcanzarse.</b> En el primer verso de cada fragmento claramente nos lo dice: “<i>Estar aquí por años en la tierra</i>”, trascendencia. Y “<i>Estar aquí en la tierra: no más lejos</i>”, permanencia. Con “Terredad” Montejo se revela a sí mismo lo que es y empieza a ser eso, tal como dice Octavio Paz que sucede con el poema. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">SI DIOS NO SE MOVIERA TANTO</span></div>
<div style="text-align: justify;">
En este poema se encuentra la primera mención de Dios. Con este poema, Montejo hace lo que dice Octavio Paz que hace la poesía: “<i>revela este mundo</i>”. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Dios es una figura recurrente en los poemas de Montejo. Sin embargo, no tiene el significado religioso que podría entenderse:<b> Eugenio no era una persona devota a una religión en particular. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Para entender la cosmovisión de Eugenio, debemos comenzar por entender el concepto de religión como el simple conjunto de creencias que relacionan a la humanidad con un tipo de existencia. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La cosmovisión de Montejo está intrínsecamente guiada por el panteísmo: <b>para él, la naturaleza, el universo y Dios son equivalentes, Dios está en todos lados.</b> Nos lo dice en los versos de este poema, que Dios se mueve constantemente “en las ondas del agua” y “en el sol o los cuerpos.” Está en el mar, en los astros, en los átomos, en el tiempo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">EL ESCLAVO</span></div>
<div style="text-align: justify;">
“El Esclavo” <b>es la más bella oda a la poesía y la literatura, tan necesarias para Eugenio</b>. Cuenta toda una experiencia creadora y nos revela la forma de existencia de un poeta, de cómo este se entrega sin más a las palabras, sin importarle que haya o no haya retribuciones. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://data3.whicdn.com/images/77609986/large.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://data3.whicdn.com/images/77609986/large.jpg" height="266" width="400" /></a>Según Octavio Paz “<i>estamos hechos de palabras</i>” y “<i>el poeta es su servidor</i>”. Lo mismo para Montejo, que en los primeros versos nos dice con tanta desmesura “<i>Ser el esclavo que perdió su cuerpo / para que lo habiten las palabras</i>.” La poesía, dice Paz, es un “<i>ejercicio espiritual, es un método de liberación interior</i>”, y tal cual es para Montejo, que escribe su poesía en un proceso intimo para su propio sosiego; no escribe más que para él mismo: “<i>Llevar por huesos flautas inocentes / que alguien toca de lejos / o tal vez nadie</i>.”: <b>su poesía bien puede ser leída por las persona o por nadie, realmente no importa, importa la liberación que supone para él el escribir. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En los primeros versos del segundo fragmento es fácil reconocer que habla del hábito escritor: “<i>Ser el esclavo cuando todos duermen / y lo hostiga el claror incisivo / de su hermana, la lámpara.</i>” Todo poeta se ha levantado a mitad de la noche, llevado por un golpe de inspiración. O bien ha sentido el tedio de no poder plasmar una idea y ejerce presión sobre sí mismo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A esto le siguen unos versos que transmiten una gran ansiedad: “<i>Siempre en terror de estar en vela / frente a los astros / sin que pueda mentir cuando despierten.</i>” Esto es incluso contradictorio: <b>él se desvela para escribir, pero el sentirse vulnerable ante el universo por la fatiga de la falta de sueño le infunde miedo, y aún así esto no le importa, ha de continuar escribiendo</b>: “<i>aunque diluvie el mundo / y la noche ensombrezca la página.</i>” </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El último fragmento es bello, pues describe el oficio del poeta certeramente: “<i>Ser el esclavo, el paria, el alquimista / de malditos metales / y trasmutar su tedio en ágatas, / en oro el barro humano</i>”. <b>Eso es un poeta, un alquimista que convierte su propia molestia en hermosas imágenes, en palabras eurítmicas la naturaleza humana</b>, así como dice Paz que sucede: “<i>Palabras, sonidos, colores y demás materiales sufren una transmutación apenas ingresan en el circulo de la poesía</i>”. Además, este fragmento rememora al sentimiento de exclusión de “En el Bosque” al llamarse “paria” a sí mismo y al leer los versos finales: “<i>para que no lo arrojen a los perros / al entregar el parte</i>.”</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">LAS PIEDRAS</span></div>
<div style="text-align: justify;">
"Las Piedras" es un poema que bien se conecta con todos los demás, porque <b>se conecta con la esencia de Terredad.</b><br />
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://data2.whicdn.com/images/177484904/large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://data2.whicdn.com/images/177484904/large.jpg" height="267" width="400" /></a>Las piedras, que son los recuerdos, son el instrumento más eficaz para lograr la permanencia. “<i>Las piedras intactas en el río</i>”, <b>los recuerdos siempre intocables, intransmutables, en el río que somos nosotros mismos, nuestra memoria, nuestra mente. </b>Con el primer fragmento Montejo habla de la imborrable existencia de los recuerdos: “<i>Siguen allí cerca del pozo, nada las mueve, / y al acercarnos / alzan los rostros renegridos, se demudan</i>”, están siempre allí, y al volver a ellos allí están. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los primeros versos del segundo fragmento son todos una metonimia: “<i>Y son las mismas madres pétreas / que en inocente desnudez / al zambullirnos / se quedaban oreando las ropas</i>”, hacen ver a los recuerdos como unas madres que nos cuidan, que nos recuerdan nuestra infancia, nuestro origen, el lugar de donde vinimos y que Montejo de ninguna manera se atreve a olvidar. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El último fragmento es profundamente significativo, ya que recalca lo imperante de llevar con nosotros nuestras memorias: “<i>De tarde en tarde la sombra de un avión / en que partimos / las atraviesa / y no saben que van en las valijas / a bordo, que son nuestro único equipaje</i>”. Sin importar a dónde vayamos, las piedras, nuestros recuerdos, siempre serán nuestro más importante cargamento, <b>aquello que nos une a nuestro origen, nuestra terredad. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hay algo que dice Octavio Paz que me parece que define a este poema y a todo Terredad: la poesía es “<i>invitación al viaje; regreso a la tierra natal</i>”. Esto es la poesía de Montejo, <b>un viaje a nuestros orígenes. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">CREO EN LA VIDA </span></div>
<div style="text-align: justify;">
“Creo en la Vida” nos conduce casi al final de Terredad, y en sus primeros versos es fácil darse cuenta de que <b>Montejo ha entrado en un estado de positivo realismo</b>, muy diferente al aislado y resignado poeta que nos fue introducido antes; más que hablarnos de sus creencias, con este poema nos habla de la transformación que ha sufrido. “Creo en la Vida”, en su actitud abierta y vasta, es exactamente lo que dice Octavio Paz que es el ritmo: “<i>es imagen y sentido, actitud espontanea del hombre ante la vida, no está fuera de nosotros: es nosotros mismos, expresándonos</i>.” </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<i>Tangible, vagamente redonda, / menos esférica en sus polos</i>”, en esos dos versos no hace más que describir a la tierra certeramente, aceptándola tal como lo que es, alejándose de las vagas ilusiones que tiene de ella que pueden leerse en “En el Bosque”. Y no solo eso, sino que también <b>cree en esa realidad</b>, en “<i>la vida bajo forma terrestre</i>”, en la tierra como la describe, existente, visible, palpable. Y en el último verso del primer fragmento no solo es literal al decirnos que la tierra está “<i>por todos lados llena de horizontes</i>”, sino que nos recuerda que <b>en cualquier lugar hay un camino diferente que seguir, otra opción que escoger... cambia desesperanza por esperanza. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Montejo ahora cree en las nubes, siempre constantes y a la vez cambiantes, flexibles y moldeadas por el viento: el viento, que les es superior. <b>Cree y admira el equilibrio que hay en ellas entre la constancia y la volubilidad</b>. Por supuesto, no deja de creer en las “<i>páginas nítidamente escritas</i>” del mundo, en sus libros y lo que ellos contienen, <b>su literatura, que tantas veces nos salva del vacío y a la que tanto le debe</b>, a la que le ha servido, como lo dijo en “El Esclavo”. Cree “<i>en los árboles, sobre todo al otoño</i>”, nos dice, “<i>a veces creo que soy un árbol</i>”. Al otoño, cuando los árboles son más vulnerables, cuando los arboles, que son la gente que nos rodea, <b>son sensibles ante la vida, la injusticia, lo vano, lo real, sensibles ante lo profundo y auténtico del ser humano, cuando entregan sus hojas al viento y a la tierra y terminan desnudos, expuestos, llenos de verdad, sin secretos, sin nada por ocultar. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el tercer fragmento aborda lo que considero es su más significativa consigna: “<i>creo en la vida como terredad</i>”. Terredad, <b>que es la trascendencia a partir de la constancia, a partir de la lucha por los ideales que seguimos; terredad es permanecer y no darse un respiro al existir, por lo cual, si hemos de vivir una vida relevante, sustancial, hemos de ver la vida como terredad, ya sea que ello nos traiga gracia o desgracia, alegrías o decepciones, felicidad o amargura</b>. “<i>Mi mayor deseo fue nacer</i>”, revela Montejo; nacer, no del vientre de su madre, sino de sí mismo, que nazca finalmente la verdadera esencia de su ser. Y ese deseo, que alguna vez se vio mermado por aquel bosque que lo rodeaba, donde era pecado hablar, pasearse, ahora surge y no hace más que aumentar, instado por su nueva visión clarificada del mundo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero llegados aquí no nos encontramos más que con los primeros indicios de cambio en Montejo: él aún no ha nacido. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Montejo, que a lo largo de Terredad no ha dejado la religión sin mencionar, vuelve a hacerlo en el último fragmento. “<i>Creo en la duda agónica de Dios</i>”, la duda agónica a la que se ve reducida nuestra vida al darnos cuenta de que no es más que un vaivén entre el éxito y el fracaso, la dicha y la desdicha. Vaivén que ¿quién sabe? se ve regido por un ente superior.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero en la soledad que trae la noche habla con las piedras, las interroga. <b>Las piedras, que siempre permanentes y estables nos traen los recuerdos ya olvidados y que de alguna manera siempre estarán con nosotros. </b>Las piedras, que son nuestra infancia, son lo que éramos antes de ser lo que somos. Y por la misma constancia y permanencia en la que Montejo ha forjado su vida, él sabe que él, en sus palabras, trascenderá, por lo que no ha de creer en algo tan relativo como la muerte. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">LABOR</span></div>
<div style="text-align: justify;">
“Labor” es un bello poema que une lo que se dice en “Si Dios no se Moviera Tanto” y “El Esclavo”.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si vemos las creencias de Montejo como panteístas, este poema adquiere muchísimo más sentido. “<i>Para que Dios exista un poco más / - a pesar de sí mismo – los poetas / guardan el canto de la tierra.</i>” El esclavo, el alquimista, el poeta, cuya labor es enaltecer la tierra que Montejo ama con tanta devoción y que, como dice en los siguientes versos, el hombre parece despreciar tan insensiblemente: “<i>Para que siempre esté al alcance / la cantidad de Dios / que cada uno niega diariamente</i>”</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<i>Dios rota en sus eclipses / y se deja soñar desde lejos</i>.”, comienza el segundo fragmento. Dios rota, Dios se mueve. Inevitablemente estos versos me suscitan a “Si Dios no se Moviera Tanto”. Y son los últimos versos los que más me conmueven: “<i>Son pocas las lumbres encendidas / que tiemblan a esa hora / en la intemperie, / son pocas, pero cuánto resisten / para inventar la cantidad de Dios / que cada uno pide en sueño.</i>”. Esta metonimia con la que Montejo se refiere a las personas en vela, que por más que renieguen a Dios, al universo, siempre creen en algo y subconscientemente le piden a ese algo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-size: large;">UN SAMÁN</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<img src="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Administrador/Escritorio/Elaine%20Uzc%C3%A1tegui/Todas%20las%20fotos/2013/Caracas%202013/DSC01630.JPG" /><img src="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Administrador/Escritorio/Elaine%20Uzc%C3%A1tegui/Todas%20las%20fotos/2013/Caracas%202013/DSC01630.JPG" />Finalmente, Montejo, sumados sus experiencias, sus pensamientos, sus ideas de toda una vida, ha nacido. <b>Es esta la consumación de su vida: se ha vuelto el árbol que no quiso ser, se ha vuelto parte de la vida</b> y, ya resignado, dota lo que tiene a la sociedad para ser de utilidad, y, aunque no lo parezca, así trascender. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Octavio Paz define la poesía como un “<i>diálogo con la ausencia</i>”, y así es precisamente como comienza Montejo este poema: “<i>Un samán ya viejo verdea y monologa</i>”. Realmente este samán no monologa, sino que dialoga con la ausencia, el vacío, que es el universo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<i>Anoté mis vueltas al sol de la tierra</i>”, dice, creando la misma<b> imagen recurrente del paso del tiempo, que ahora parece estar cada vez más cerca de terminársele</b>. “<i>Se movió el mundo, no mis ramas.</i>”, es el quinto verso, que nuevamente transmite permanencia, pero esta vez no como un deseo sino como algo realizado.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Nuevamente se hace mención del viento, que sigue siendo confusa para mí: “<i>Estoy donde los vientos me dejaron / sin renegar mis dioses</i>” pero es evidente que Montejo se refiere a él como algo superior, pues es él quién maneja a las hojas caídas, quien mueve a los árboles. Y luego está ese verso en el que <b>se abre a sus dioses: no los evita sino que finalmente los acepta </b>muy a pesar de las dudas que pudo haber mostrado en “Creo en la Vida” cuando afirmaba que creía en la “duda agónica de Dios”. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Uno de los versos finales es el que más me emociona: “<i>que el leñador disponga de mis ramas</i>”, un verso que tan fácilmente nos remite a “En el Bosque”, cuando el poeta no tenía más que inútiles brazos. <b>A diferencia de la tristeza que hay en el primer poema de Terredad, ya en este último no hay más que una dócil aceptación del mundo. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y ahora, tras un gran espacio en blanco, nos topamos con un último verso: “<i><b>Ya no temo a los fuegos.</b></i>” Qué manera de finalizar, no solo un poema, sino todo un poemario. Ya no temo a los fuegos. <b>Ya no teme a la fuerza abrasadora de aquel que se encuentra en la posibilidad de dañarlo pues ahora, después de tanto, ya no tiene nada que perder. </b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8c-52fD4neeX90nDqotSqa8Ofj27THyFsL5B7xpjwP0t_R0roUEOIARHPzl8X0wjsSYFlKnIyW62PFqq0Mo2c3AIG2uXIr3RABUzA3-nKQ1MogAZZNI9LnnHXn91FyRUNxVi4boosuvk9/s1600/saman1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8c-52fD4neeX90nDqotSqa8Ofj27THyFsL5B7xpjwP0t_R0roUEOIARHPzl8X0wjsSYFlKnIyW62PFqq0Mo2c3AIG2uXIr3RABUzA3-nKQ1MogAZZNI9LnnHXn91FyRUNxVi4boosuvk9/s400/saman1.jpg" width="500" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></a></div>
<b><br /></b></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-38556246983671367812015-06-07T15:09:00.005-07:002015-06-07T15:09:50.351-07:00Impresiones de un cuento: Continuidad de los Parques, de Julio Cortázar<div style="text-align: center;">
<img height="200" src="https://esnobismogourmet.files.wordpress.com/2012/07/continuidadparques.jpg" width="600" /></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Al leer la última línea de <i>Continuidad de los Parques</i>, cerré el libro abruptamente con una expresión de sorpresa en su estado más puro. No abarca más que una página y media, pero están llenas por <b>una historia narrada de una manera exquisita</b>, hilando las palabras en una armonía que surge tan naturalmente como si se hubieran ido juntando por sí solas, y es entonces cuando nos damos cuenta del genio que estamos leyendo, el perfecto cuentista, que <b>ha hecho algo que parece haberse creado solo, que parece ir más allá de la capacidad del hombre. </b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Continuidad de los Parques</i><b> me parece un cuento perfecto.</b> La precisión y la impecabilidad del lenguaje se notan a leguas, el cuento es absolutamente eficaz: Cortázar nos cuenta nada más que lo necesario para formarnos en la cabeza una impresión certera del contexto, tal como afirma Julio Ramón Ribeyro que debe ser el cuento, donde “cada palabra es absolutamente imprescindible”.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Dice también Ribeyro en su <i>Decálogo del Cuentista</i>, que “la historia contada por el cuento debe entretener, conmover, intrigar o sorprender, si todo ello junto, mejor.” Y es ahí donde se encuentra lo maravilloso del cuento: que lo logra todo, pues nos vemos llevados a un ambiente perceptiblemente oscuro y misterioso que inmediatamente nos intriga, para darnos un golpe final en la última línea que es donde habita la sorpresa, y justamente por ello entretiene. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://farm2.static.flickr.com/1121/3267738964_b0f635847f.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://farm2.static.flickr.com/1121/3267738964_b0f635847f.jpg" height="220" width="320" /></a>¿Y en qué momento conmueve? Está ahí, oculto a simple vista, que dentro de la maravillosa historia que asombra por su construcción, <b>Cortázar hace una intrínseca oda al acto de leer</b>, con la que el lector rápidamente se siente identificado en el momento en que describe la manera en que el personaje que lee la novela se adentra tan profundamente en la historia que tiene en sus manos, lo que <b>nos hace pensar en lo metafórico y en lo literal del cuento</b>: ¿realmente pasó lo que se nos cuenta y debemos aceptarlo sin más? ¿o el personaje que lee en el sillón está tan inmerso en su novela que se ha creído o sentido parte de ella? </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En su <i>Decálogo del Perfecto Cuentista</i>, el gran Horacio Quiroga dice: “No empieces a escribir sin saber desde la primera palabra adónde vas. En un cuento bien logrado, las tres primeras líneas tienen casi la importancia de las tres últimas”. Continuidad de los Parques cumple casi demasiado perfectamente con esa pauta. “Había empezado a leer la novela unos días antes”, empieza el cuento, y poco a poco, sin oportunidad a darnos cuenta, se nos va llevando hasta las últimas líneas que tanto tienen que ver con la primera: “La puerta del salón, y entonces el puñal en la mano, la luz de los ventanales, el alto respaldo de un sillón de terciopelo verde, la cabeza del hombre en el sillón leyendo una novela.” <b>Creemos que hemos llegado al final cuando en realidad hemos vuelto al principio, puesto que se trata todo de un círculo interminable donde el principio y el final se entremezclan y se vuelven uno solo. </b></div>
<br />
Si quieren leer el cuento, hagan clic <b><a href="http://www.ciudadseva.com/textos/cuentos/esp/cortazar/continuidad_de_los_parques.htm">aquí</a></b>.<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></a>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-153350302833105546.post-19596529991633191892015-06-07T15:09:00.002-07:002015-06-07T15:09:14.935-07:00Apreciación Cinematográfica: Relatos Salvajes, un acercamiento del cine al cuento<div>
<div style="text-align: center;">
<img src="http://www.zonanegativa.com/imagenes/2014/10/znrelatos.jpeg" style="-webkit-user-select: none;" /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hoy fue un día cargado de cuentos y relatos. En la universidad, en clase de Teoría Literaria, justo estamos en pleno estudio acerca del cuento cuando nos enteramos del inicio de un ciclo de apreciación cinematográfica y cine comentado, que daría inicio justamente hoy, luego de nuestra última clase acerca del cuento, con una película increíblemente oportuna: <b>Relatos Salvajes</b>.</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Relatos Salvajes</b> (<i>Damián Szifrón, 2014</i>) es una película compuesta por seis historias cortas, relatos, que si bien son completamente autoconclusivas, se relacionan entre sí al girar todos en torno a un mismo tema: la violencia y, como lo define perfectamente Szifrón, "<i>el innegable placer de perder el control</i>". </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Relacionar estas historias con lo que he aprendido del cuento fue una experiencia sumamente enriquecedora, tanto al momento de buscar los puntos en los que se encuentran como en los que se alejan, y sin duda me dio una nueva perspectiva para mis comentarios de algunos cuentos, me otorgó un mayor entendimiento, comprensión y aceptación del hecho de que ningún cuento puede ser contado de la misma manera, ni ningún cuento cuenta con elementos absolutamente idénticos: un cuento será siempre único. Cuando uno crea que por fin ha entendido el concepto preciso de cuento, entonces leerá uno que no encaje completamente con ese concepto. </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Relacionándolos con el cuento, me llamaron la atención dos relatos por sobre los otros: el primero, <b>Pasternak</b>, y el último, <b>Hasta que la Muerte Nos Separe</b>. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.cinencuentro.com/wp-content/uploads/2014/08/dario-grandinetti-en-relatos-salvajes.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://www.cinencuentro.com/wp-content/uploads/2014/08/dario-grandinetti-en-relatos-salvajes.jpg" height="165" style="-webkit-user-select: none;" width="400" /></a><b>Pasternak</b> abre estupendamente la película a modo de introducción. Lo que me interesó de este relato fue la manera de presentar a sus personajes. Me recordó de manera muy profunda las constantes contradicciones dentro del concepto de cuento, pues recordé algo que nuestra profesora de teoría había dicho en una clase acerca de los personajes, y decía ella (parafraseando yo) que el cuento debía ser llevado por un protagonista con una personalidad muy marcada, y que a su vez este único protagonista estaría intrínsecamente conectado con la historia. Otro estudiante preguntó entonces algo bastante interesante: ¿no puede ser un grupo de varias personas protagonistas todos de una sola historia? La profesora nos miró con una sonrisa y no pudo más que responder que sí, sí se puede. Y así lo vemos en el relato <b>Pasternak</b>, donde las vidas de aquellos que abordan un avión comienzan a unirse por lo que parece ser una mera casualidad, un conocido en común, para terminar siendo todos uno solo, una misma víctima de los resentimientos de un tercero, este conocido en común. </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Y aquí salto a hablar del segundo objeto de mi interés en <b>Pasternak</b>: la presentación de un segundo protagonista, el mismísimo Gabriel Pasternak, de quién vamos conociendo su vida a través de las historias que cuentan los pasajeros de él, de cómo se relacionan sus vidas con la de Pasternak y de quién finalmente sabemos, igualmente a través de los pasajeros, que estuvo urdiendo por largo tiempo este plan de reunir a todos aquellos que odió en algún momento de su vida y que lo dañaron de una u otra manera, con un fin bastante macabro. </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Pasternak </b>entonces me inspiró a jugar con los personajes de un cuento, a apreciar las maneras inesperadas en que estos pueden presentarse incluso sin estar. </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Por otro lado, <b>Hasta que la Muerte Nos Separe</b> fue por mucho mi relato favorito, pues despertó todas las emociones en los espectadores: suspenso, risa, miedo, amor, compasión, tristeza, rabia. Tal como dice Julio Ramón Ribeyro en su <b>Decálogo del Cuentista </b>que debe ser un cuento: "<i>la historia contada por el cuento debe entretener, conmover, intrigar o sorprender, si todo ello junto, mejor</i>." Este relato es asombroso e histriónico, y le muestra claramente a un escritor la manera en que un cuento debe ser narrado: la acción debe prevalecer. Los personajes nada lo piensan, de una decisión arrebatada saltan a otra y el cuento se va formando a manera de tren imparable que nos llega de frente a golpearnos en plena cara sin más, cómo siempre debe sentirse. </div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Para concluir y complementar, dejo una <b>entrevista realizada al director Damián Szifrón</b> que es de lo más interesante. </div>
</div>
<div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/opKKqVhAspk/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/opKKqVhAspk?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNLUTa2smXKx8OJLX_0cppRjhIYnhzlmdlxUwSmmAZzQJZWz_yxbqhOW-qQCKQiLduZnad9M5UuqcseehQ3dIdk-Ocumtr0o3UF7l2Fw-7J1h2cCn8XRXhE1FxAyZkxvf1st9BYqMTRYX/s1600/Firma..png" /></a><br />
<br />
<br />
<br />
<br /></div>
<div>
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0